Monster Game. Instalación sonora interactiva

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Diseño de hardware y firmware: Riley García

Descripción:

Instalación sonora interactiva

22 pelotas se encuentran diseminadas por la sala. Cada pelota posee un altavoz en su interior acoplado a un dispositivo electrónico capaz de detectar el movimiento. Cuando recibe una patada el audio se pone en funcionamiento y es difundido por la sala con el propio movimiento de la pelota. El audio cesa cuando la pelota se detiene.

Los audios corresponden a sonidos grabados procedentes de la lectura de fragmentos de la tesis de 1939 de Mary Tudor: “An experimental study of the effect of evaluative labeling of speech fluency” (Un estudio experimental del efecto del etiquetado evaluativo sobre la fluidez del habla). La tesis trataba de demostrar la importancia del refuerzo positivo o negativo en el desarrollo de la tartamudez. Fue conocida más adelante como el “Monster Study” o «Monster Experiment», por su ausencia de consideraciones éticas al inducir la tartamudez, en algunos casos de por vida, a niñxs y chicxs fluentes. Lxs niñxs utilizados en el estudio eran huérfanos que procedían de la Casa de Soldados y Marineros Huérfanos en Davenport, Iowa.

Las partes que se han utilizado de la tesis corresponden a las transcripciones de las entrevistas que la misma autora mantuvo con los 22 sujetos sometidos al estudio. 22 pelotas, una por cada infante.

Más información sobre el caso AQUÍ

Concepto:
La preocupación sobre la tartamudez como una forma de violencia sobre el propio habla, ya fue tratada previamente por el autor en el proyecto “Violencias del decir I”, una instalación sonora site-specific, que presentaba voces de personas con disfemia. En el presente proyecto,  la violencia aparece bajo la forma de una voz -la autora del estudio- que, investida  de cercanía y autoridad, busca provocar tartamudez en una voz otra.

En el estudio creemos que se evidencian algunas formas insoportables de dominación que habitan nuestra cultura de forma silenciosa; las condiciones de posibilidad de la tesis vienen dadas por una razón que permite y avala la desaparición del otro. Como proponía Levinas: “la esencia es el sincronismo extremo de la guerra”, o dicho de otro modo, las preocupaciones recurrentes de la filosofía, el ser, la esencia, el tiempo, etc. ignoran al otro, lo que  desemboca irremediablemente en violencia contra él/ella. El giro ético de las esencias al otro al que se refiere Levinas habría impedido la investigación de Mary Tudor.

La instalación propone un acercamiento lúdico, pero no exento de crítica. La identificación -cosificación- de cada niño con un balón -uno de los objetos de juego infantil más extendido-, nos habla de una de las violencias específicas del arte: la sustitución y la apertura de la metáfora.

La cooperación necesaria y voluntaria del visitante en la actualización de la violencia ejercida en el desarrollo de la tesis, lo hace cómplice de una violencia que reaparece en cada palabra devuelta a la vida en los desplazamientos de las pelotas por el espacio de exhibición.

La misma violencia de la patada añade su propio estrato violento a la obra, al establecer una relación de violencia necesaria entre la obra y el visitante, pues la obra únicamente existe porque es golpeada. La patada, además, emparenta la obra con los deportes de masas, claramente receptores de violencias desviadas, como sucede con el habla según la tesis del marco de trabajo «Violencias del decir» en el que se inserta este proyecto.

Toda la documentación técnica sobre el proyecto aquí:
https://github.com/ex-arte-electronico-y-experimental/acustic-impact-ball

Monster Game. Instalación sonora interactiva


Description:

Interactive sound installation.

Twenty-two balls are scattered around the room. Each ball houses a loudspeaker inside, connected to an electronic device able to detect movement. Kicking them triggers an audio recording, diffused around the space like the moving ball itself. When the ball stops, the audio stops.

The audio files consist of recorded readings of fragments of Mary Tudor’s 1939 thesis An Experimental Study of the Effect of Evaluative Labelling of Speech Fluency. This thesis became known later as ‘Monster Study’, for its lack of ethical consideration when inducing, in some cases lifelong, stuttering in fluent-speaking children. The subjects of her study were orphans from the Orphan Soldiers and Sailors Home in Davenport, Iowa.

The parts of the thesis used in this piece correspond to transcriptions of interviews that Tudor herself had with the 22 girls and boys subjected to the experiment. 22 balls, one per child.

More information HERE

Concept:
Some concerns with stuttering as a form of violence on speech itself were explored on the author’s previous project, Violencias del decir I. The project showed recordings of stutterers’ voices talking about their own speech. The current project again deals with stuttering, but this time violence takes on the form of a voice – that of the author of the experiments –, attempting to induce stuttering in other voices.

We believe these experiments show some unbearable forms of oppression which quietly inhabit our culture; the thesis is made possible by an underlying reasoning that endorses and allows such research but disregards the harm endured by its subjects. Tudor’s thesis represents a model of thought which reflects Levinas’ diagnosis: “essence is the extreme synchronism of war”, or in other words, recurrent themes in philosophy – the being, essence, time, etc– disregard the ‘other’, and such disregard can only breed war. The study accurately exemplifies this model of thought where the ‘other’ is simply something to be controlled. Levinas’ ethical spin on essence towards the ‘other’ would have prevented Mary Tudor’s research.

The installation presents a playful, but still critical, approach to these questions. The reified one-to-one relationship between children and balls – which are one of the World’s most wide-spread playing objects – suggests a characteristic kind of violence in art: substitution and the use of metaphor.

Visitors become accomplices of the violence in every word awakened by the balls’ movement around the exhibition space through their cooperation, as voluntary as it is necessary for a revision of the violence exerted during the experiments. The piece receives an extra layer of violence through the kicking action, establishing a violent relationship between artwork and visitor, since the artwork can only exist when the balls are kicked. Because the balls used look like traditional football balls, kicks also link the piece to mainstream sports, particularly football (or soccer), clearly recipients of deflected violence, as is the case with speech according to this project’s thesis, stated in the opening paragraphs.

On the other hand, the playful character of the piece is ambivalent: whilst it offers a straightforward and fun approach to the realization of the piece, it also opens up a not so comforting dimension. The original study was conducted by ‘playing’ with children’s lives, similar to how visitors will play with the balls.

Technical documentation here:
https://github.com/ex-arte-electronico-y-experimental/acustic-impact-ball

Tentar la palabra / Tempt the Word

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Autores: Ruth Abellán y Arturo Moya

Instalación sonora reactiva

(English below)

El balbuceo es expresión de una experiencia no codificada aún. Es voz inmediata y embelesada; voz anterior a la palabra. Antes de ingresar al territorio colectivo del habla nos construimos una phoné. Acumulamos materiales sonoros, jugamos con sus ritmos, probamos y entendemos nuestro cuerpo en esa incansable tentativa y en el manoseo de la voz, acechamos la palabra. Pero precisamente el estar más allá de la palabra convierte ese lugar de origen en un momento indisponible para el recuerdo.

Nuestra colaboración con la Escuela Infantil Zaleo ha querido procurar atención, estrategias e instrumentos para la memoria de esa etapa cuya comprensión y estimación está tradicionalmente supeditada a la adquisición del lenguaje, y concebida así como condición de un proceso mayor que culminará con su propia desaparición.

El registro sonoro del balbuceo realizado gracias a la implicación de las familias, enfatiza el valor estético de esas manifestaciones sonoras y su cercanía con algunos planteamientos musicales, pero también pretende evidenciar cuánto de pérdida tiene la conquista del habla.

El dispositivo interactivo toma la forma de la mutua invasión, de lo indiscernible, cuestionando las relaciones entre el logos y phoné, pero también la naturaleza de la comunicación o las posibilidades de comprensión del otro. La obra nos fuerza a la palabra empujando el habla a un límite de sí mismo. Invita a un cierto retorno al balbuceo, a una forma de olvido del lenguaje, relegado a ser un imperativo para escuchar la alteridad, pero una alteridad que, como mi propio envés, se manifiesta siempre solapada conmigo, recubierta por mi voz pegajosa.

Texto de Ruth Abellán

 

El proyecto responde  a la invitación de la Escuela Infantil Zaleo a participar en el XX Aniversario de Enterarte, en el Centro Cultural Daoíz y Velarde de Madrid. Enterarte es un grupo de trabajo del Movimiento de Renovación Pedagógica “Acción Educativa”, que quiere propiciar la reflexión, la investigación y la creación en el ámbito educativo, para generar, gestionar y desarrollar proyectos innovadores de educación artística.  Posteriormente fue presentada como intervención site-specific, en el aula de cunas de la Escuela Infantil Zaleo.

Descripción técnica:

Un sencillo patch de Pure Data usa la señal de entrada a un micrófono para disparar sonidos de balbuceos de bebés grabados previamente. Des este modo, el micrófono no amplifica la propia voz, sino que la sustituye por los balbuceos.

Necesidades técnicas:

  • 1 ordenador
  • 1 tarjeta de sonido
  • 1 micrófono dinámico con su pie
  • 1 o 2 altavoces

Tentar la palabra


Tempt the Word

By Ruth Abellán y Arturo Moya

Reactive sound installation

Babbling is an expression of an experience that has not yet been encoded. It is an immediate and enraptured voice; a voice prior to speech. Before entering the collective territory of speech, we build a phoné for ourselves. We accumulate sound materials, we play with their rhythms, we try and understand our own body in that tireless attempt and in the handling of the voice, we stalk the word, but precisely being beyond the word makes that place of origin an unavailable moment to remember.

Our collaboration with the Zaleo Infant School wants to seek attention, strategies and instruments for the memory of that stage whose understanding and estimation is traditionally subject to the acquisition of language, and thus conceived as a condition of a greater process that will culminate in its own disappearance.

The sound record of the babbling made thanks to the involvement of the families, emphasizes the aesthetic value of these sound manifestations and their proximity to some musical approaches, but it also aims to show that the conquest of speech means a huge loss.

The interactive device takes the form of mutual invasion, of the indiscernible, questioning the relationships between logos and phoné, but also the nature of communication or the possibilities of understanding the other. The work forces us to speak by pushing speech to a limit of itself. It invites a certain return to babbling, to a form of forgetting language, relegated to being an imperative to listen to otherness, but an otherness that, like my own underside, always manifests itself underhanded me, covered by my sticky voice.

Text by Ruth Abellán

The project responds to the invitation of the Zaleo Infant School to take part at the XX Anniversary of Enterarte, at the Daoíz y Velarde Cultural Center in Madrid. Enterarte is a working group of the Movement of Pedagogical Renewal «Acción Educativa», which wants to promote reflection, research and creation in the educational field, to generate, manage and develop innovative projects of artistic education. Later it was presented as a site-specific intervention, in the nursery class of the Zaleo Infant School.

Technical description:

A simple Pure Data patch uses the input signal from a microphone to trigger prerecorded baby babbling sounds, projected through one or more speakers. In this way, the microphone does not amplify the voice itself, but instead replaces it with babbling.

Technical requirements:

  • 1 computer
  • 1 sound card
  • 1 dynamic microphone with your stand
  • 1 or 2 speakers

Mi voz es otro

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Instalación sonora participativa

Arturo Moya Villén, 2019

(English below)

Mi voz es otro es una instalación sonora que interviene la voz de los participantes. El proyecto articula dos ámbitos de trabajo: la intervención del espacio mediante el sonido y la investigación sobre las violencias presentes en el habla desarrollada en el marco de trabajo “Violencias del decir”.

El sonido que interviene el espacio es una onda estacionaria generada electrónicamente, lo que sitúa la obra en la tradición de los trabajos desarrollados previamente por La Monte Young o Michael Asher.

Una sinusoide grave se proyecta en el espacio cerrado de la sala de exhibición, creando una onda estacionaria que sitúa sus vientres y nodos en lugares fijos del espacio. Cuando un participante se coloca sobre los vientres se percibe un aumento del sonido, mientras que los nodos se perciben como una disminución. El sonido crea una cartografía invisible para el ojo, producto del encuentro entre las dimensiones del espacio y la frecuencia del sonido.

Los vientres de onda están señalados con textos que se invita a leer o a cantar. Están dispuestos en espiral, con las vocales alargadas, lo que impide su disponibilidad inmediata y obstaculiza la construcción del espacio de la visión desde el hábito perceptivo de la lectura.

El sonido emitido por los participantes al leer o cantar los textos es modulado por el vientre de onda de la sinusoide, lo que se percibe como un temblor involuntario de la propia voz.

El trastorno de la voz por el que no es posible mantener un sonido estable se llama disfonía espástica y se asemeja al efecto que produce la instalación en la voz de los participantes. Esta fisicidad abre una reflexión que se desplaza fenomenológicamente de lo estético a lo patológico y finalmente a lo ético; la violencia que la instalación ejerce sobre la voz de los participantes, no solo habla de la pérdida de control de la propia voz, sino que también relativiza la intención y la voluntad del mismo habla y cuestiona la posibilidad de un habla singular, erigida fuera de una comunidad de voces.

Los textos que señalan los vientres de onda proceden de las Cartas del Vidente, de Arthur Rimbaud. En ellos se encuentra la afirmación “Yo es otro” que conjuga los ejes del proyecto: violencia y alteridad. Violencia de la palabra hacia dentro, hacia el lenguaje –“yo es otro” es una proposición incorrecta gramaticalmente- y hacia fuera, contra el autor, entendido como constricción sobre lo que puede ser dicho. La alteridad del yo, su descentramiento es lo que permitiría la poesía.

El proyecto se sustenta gracias a la circulación de una violencia estructural que sin embargo se mantiene oculta hasta el momento de su irrupción en el cuerpo. La propia forma de enunciarse pasa a ser cómplice, descubriendo un pliegue recursivo en el que el hablar sobre la violencia no puede dejar de ser violento.

Participar significa someterse al régimen del artista -primera violencia-, obedecer su mandato. El artista habla en voz alta porque está legitimado, porque debe ser irrupción en lo dado, ruptura en un continuum.

Leer en voz alta un texto ajeno es usar la propia voz para decir la voz de otro -segunda violencia-. Aquí se pone en marcha una ventriloquía que cuestiona la posibilidad de una voz propia y recoge la antigua legitimación del poeta que no habla por sí mismo, sino por boca de las musas.

Experimentar la irrupción de la vibración en la propia voz -tercera violencia- significa desplazar al plano perceptivo la posibilidad de sentido del proyecto, lo que permite otras claves de lectura.

Mi voz es otro ha sido presentada en EX5, cinco años de arte electrónico y experimental, en el centro cultural Galileo de Madrid y en las XX Jornadas de Filosofía y Música en la casa de la cultura José Saramago de Albacete.

El proyecto se enmarca dentro de “Violencias del decir”, un marco de trabajo pluridisciplinar desde el que pensar las violencias presentes en el habla. El habla como un movimiento de lenguaje y voz en el que se abandona la seguridad del yo para salir al encuentro del otro; un otro infinitamente extraño con el que el habla nos sitúa en una relación de familiaridad

imagen mi voz es otro

Fragmentos de las cartas del vidente de  Arthur Rimbaud de los que se han extraído los textos:

Cartas del vidente

Versión: Ramón Buenaventura

PRIMERA CARTA:

De Arthur Rimbaud a Georges Izambard

Charleville, [13] mayo 1871

Por el momento, lo que hago es encanallarme todo lo posible. ¿Por qué? Quiero ser poeta y me estoy esforzando en hacerme Vidente: ni va usted a comprender nada, ni apenas si yo sabré expresárselo. Ello consiste en alcanzar lo desconocido por el desarreglo de todos los sentidos. Los padecimientos son enormes, pero hay que ser fuerte, que haber nacido poeta, y yo me he dado cuenta de que soy poeta. No es en modo alguno culpa mía. Nos equivocamos al decir: yo pienso: deberíamos decir me piensan. — Perdón por el juego de palabras. YO es otro. Tanto peor para la madera que se descubre violín, ¡y mofa contra los inconscientes, que pontifican sobre lo que ignoran por completo!

SEGUNDA CARTA :
De Arthur Rimbaud a Paul Demeny
Charleville, 15 mayo 1871

Por lo demás, los nuevos son muy libres de abominar de los antepasados: estamos en casa y no nos falta el tiempo. Nunca se ha entendido bien el romanticismo. ¿Quién iba a entenderlo? ¡Los críticos! ¿A los románticos, que tan bien demuestran que la canción es muy pocas veces la obra, es decir: el pensamiento contado y comprendido por quien lo canta? Porque Yo es otro. Si el cobre se despierta convertido en corneta, la culpa no es en modo alguno suya. Algo me resulta evidente: estoy asistiendo al parto de mi propio pensamiento: lo miro, lo escucho: aventuro un roce con el arco: la sinfonía se remueve en las profundidades, o aparece de un salto en escena.

Si los viejos imbéciles hubieran descubierto del yo algo más que su significado falso, ahora no tendríamos que andar barriendo tantos millones de esqueletos que, desde tiempo infinito, han venido acumulando los productos de sus tuertas inteligencias, ¡proclamándose autores de ellos!


My Voice is Someone Else

Participatory sound installation

Arturo Moya Villén, 2019

The project articulates two areas of work: the intervention of space through sound and a research on the violence present in speech developed in the framework «Violence in Saying».

The sound that intervenes in space is an electronically generated standing wave, which situates the work in the tradition of the works previously developed by La Monte Young or Michael Asher.

“Violence in Saying” is a multidisciplinary framework to think about the violence present in speech. The speech as a movement of language and voice in which the security of the self is abandoned to go out to meet the other; an infinitely strange other with whom speech nevertheless places us in a relationship of familiarity, of contiguity. Sound art, Media Art, robotics, philosophy or speech therapy are some of the disciplines that participate in the project.

The sound of a low sinusoid is projected in the closed space of the exhibition hall, creating a standing wave that places its nodes and antinodes in fixed places in space. When a participant stands on the antinodes, an increase in sound is perceived, while the nodes are perceived as a decrease. Sound creates a cartography invisible to the eye, the product of the encounter between the dimensions of space and the frequency of sound.

The wave antinodes are marked with texts that are invited to read or sing. They are arranged in a spiral, with elongated vowels, which prevents their immediate availability and hinders the construction of the space of vision from the perceptual habit of reading.

The sound emitted by the participants when reading or singing the texts is modulated by the antinode wave of the sinusoid, which is perceived as an involuntary tremor of the voice itself.

The voice disorder in which it is not possible to maintain a stable sound is called spastic dysphonia and resembles the effect of installation on the voice of the participants. This physicality opens a reflection that shifts phenomenologically from the aesthetic to the pathological and finally to the ethical; the violence that the installation causes on the voice of the participants, not only speaks of the loss of control of the voice itself, but also of the relativization of the intention and the will of the speech itself, of the impossibility of a singular speech, erected outside a community of voices.

The texts that indicate the wave antinodes come from the Letters of the Visionary, by Arthur Rimbaud. In them is the statement «I is someone else » that combines the axes of the project: violence and otherness. Violence of the word inwards, towards language – «I is someone else» is a grammatically incorrect proposition – and outwards, against the author, understood as a constraint on what can be said. The alterity of the self, its decentration is what would allow poetry, which also refers to the Foucaultian need to relativize the author to not interrupting the freedom of his own discourse.

The project is sustained thanks to the circulation of a structural violence that remains hidden until the moment of its irruption in the body. The way of enunciating itself becomes an accomplice, discovering a recursive fold in which talking about violence cannot stop being violent.

Participating means submitting to the artist’s regime -first violence-, obeying his mandate. The artist speaks aloud because he is legitimized, because it must be an irruption in what is given, a break in a continuum.

To read aloud someone else’s text is to use your own voice to say the voice of another one -second violence-. A ventriloquism that questions the possibility of a voice of its own and assumes the old legitimation of the poet who does not speak for himself, but through the mouth of the muses.

Experiencing the irruption of the vibration in one’s own voice -third violence- means shifting the possibility of meaning of the project to the perceptual plane, endowing it with a phenomenological dimension that allows other reading keys.

My voice is someone else has been presented at EX5, five years of electronic and experimental art, at the Galileo cultural center in Madrid and at the XX Conference of Philosophy and Music at the José Saramago House of culture in Albacete.

Just Tech en JustMAD y MINI hub. Prensa

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Resumen de apariciones en prensa de Just Tech y MINI hub.

En la primera presenté la escultura sonora interactiva «máquina de callar» y en la segunda la video instalación interactiva «Specio»


ABC

http://www.abc.es/espana/madrid/abci-justmad-paseo-arte-mas-joven-201702220041_noticia.html

El País

http://cultura.elpais.com/cultura/2017/02/22/actualidad/1487797745_140995.html

Innova Spain

El lado más tecnológico del arte emerge en JustMAD8

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#Arturo #Moya #Art #Madrid #justmad #Artfair

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Specio en MINI hub

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dispositivo-specio
Cámara y reloj de Specio

Specio, Arturo Moya Villén, 2016

Specio, en su versión para espacio cerrado, será presentada dentro de la exposición “EX, Arte electrónico experimental”, comisariada por EX para la sala MINI Hub.

Specio es una video instalación interactiva. La obra se plantea como un juego en el que el movimiento del espectador delante de la cámara hace retroceder el tiempo de su imagen proyectada. Cuanto más movimiento se produce delante de la cámara, más se atrasa el tiempo de la imagen. Un reloj con un segundero de hueso proyecta el tiempo real y el atrasado por el movimiento, permitiendo visibilizar el desdoblamiento temporal. La obra reflexiona sobre el cuerpo, la mirada y el tiempo, así como sobre el deseo de contrarrestar el paso del tiempo a través del uso del cuerpo.

https://arturomoyavillen.com/specio

La exposición permanecerá abierta desde el 23 de febrero hasta el 26 de febrero

Reloj con segundero de hueso. Specio, Arturo Moya Villén, 2016
Reloj con segundero de hueso. Specio, Arturo Moya Villén, 2016

La exposición, organizada en conexión con JUSTMAD8, presenta un conjunto de artistas emergentes y mid-career que resumen la trayectoria y enfoque de la asociación EX, caracterizado por una reflexión autocrítica sobre la nueva condición medial. La exposición se celebra en conexión con JUSTMAD8.

La selección de obras de la muestra incluye trabajos de Citlali Hernández y Nicolás Villa, Abelardo Gil Fournier, Carlos Coronas y Pedro Veneroso. Citali, Abelardo y Arturo tendrán ocasión de explicar en primera persona sus respectivos proyectos a los asistentes a la inauguración, el jueves 23 de febrero a las 20:00h en MINI Hub (C/ Palma 10).

La exposición permanecerá abierta al público hasta el día 26 de febrero de 2017.

Tras la presentación, el mismo jueves 23, se celebrará una mesa redonda moderada por Gregorio Cámara, director de JustMAD8, que contará con la participación de Jaime G. Lavagne, presidente de EX, Paulina Bebecka, directora de la galería Postmasters de New York, y Gerardo Zavarce, investigador, productor y asesor en el campo cultural y de las artes visuales.

De este modo MINI Hub se suma a la programación de JustMAD8 conviertiéndose en una parada imprescindible dentro del circuito de actividades que durante estos días transforman Madrid en la capital mundial del arte.

 

Specio en el festival Bouesía. Arturo Moya Villén, 2016

Specio, Arturo Moya Villén, 2016

 


Otras obras de la exposición:

[No Dispositivo]. Citlali Hernández y Nicolás Villa

[No dispositivo] Citlali Hernández y Nicolás Villa, 2014

Es una instalación en donde una coreografía automatizada e infinita transita por distintos modos de visibilizar e in-visibilizar un sistema corpóreo expandido. Varias partes del cuerpo de una bailarina en una proyección de video son imitadas por cuatro artefactos robóticos.

http://arteelectronico.net/premios-oa-foundation-de-arte-electronico-experimental-y-seleccionados-justech-15/
http://arteelectronico.net/no-dispositivo-de-citlali-hernandez-y-nicolas-villa/

 

Me gusta. Fábrica de visión mineral. Abelardo G. Fournier

Me gusta. Fábrica de visión mineral. Abelardo G. Fournier, 2015

La obra consiste en una caja de luz que replica los rótulos característicos de la publicidad de fin de siglo. La caja termina en un falso espejo, que cuando es observado desde la cámara de un móvil o tablet muestra un icono de otra forma invisible a los ojos. El icono oculto, apreciable sólo a través de cámaras digitales, es una reelaboración del cuadro de Santa Lucía de Francesco del Cossa, en el que ella sostiene con su mano una planta con dos ojos en los extremos. En el espejo mirado desde el móvil, la mano de Facebook aparece con el mismo gesto, sosteniendo dos ojos.

http://abelardogfournier.org/projects/me-gusta-fabrica-de-vision-mineral

Territorios soñados. Carlos Coronas

Territorios soñados. Carlos Coronas, 2016

Es un proyecto de instalación elaborada con una serie de grandes estructuras poligonales complejas cuyas formas simulan organismos. Sobre ellas se sustentan tubos de luz de color (fundamentalmente tubosfluorescentes y de neón y argón) que cambian de intensidad lumínica mediante sistemas electrónicos, generando un sensación de organismos vivos

http://www.laboralcentrodearte.org/es/recursos/personas/carlos-coronas

Gogoame. Pedro Veneroso

Gogoame. Pedro Veneroso, 2016

Gogoame es un experimento de net.art que continua la tradición de la experimentación literaria de la poesía concreta y visual, trasladando el texto a un entorno virtual en el que los caracteres están sujetos a fuerzas físicas parecidas a las del mundo concreto. Letras y caracteres llueven, y entre la lluvia, palabras y frases se forman. El visitante puede contemplar la lluvia de palabras producidas por otros internautas o escribir su propio texto-lluvia introduciéndolo desde el teclado.

http://pedroveneroso.com/

http://gogoame.sumbioun.com/


MINI HUB es un espacio con  identidad propia, inclusivo y tolerante, que apuesta por las nuevas tecnologías, las tendencias urbanas y por proyectos global thinking capaces de redefinir conceptos como futuro o movilidad. Un espacio vivo y receptor de tendencias artísticas y culturales, donde se desarrollan talleres, exposiciones, conciertos o  actividades en familia.

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Specio en MINI hub

Máquina de callar y el Festival Nits d’Aielo

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Resumen fotográfico del XIX Festival Nits d’Aielo i Art, en el que pudimos volver a mostrar nuestra Máquina de Callar (Shut-Your-Mouth-Machine). Pasamos del espacio blanco, terso y supuestamente neutral del stand de EX en Pinta Miami, al entorno sobrecargado simbólica y físicamente del Festival Nits d’Aielo. Organizado en Valencia por Llorenç Barber y Montserrat Palacios,  su trayectoria de vinculación e impulso a las músicas experimentales y el arte sonoro, lo sitúan como uno de los referentes ineludibles del campo, mucho antes de que el mismo término «arte sonoro» fuera moneda corriente en nuestro país.
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Máquina de callar en el Festival Nits d’Aielo

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cartel-nits-2016-digital

Máquina de callar (Shut-Your-Mouth Machine) en el Festival Nits d’Aielo

Nuestra Máquina de callar (Shut-Your-Mouth Machine), después de su presentación en la feria Pinta Miami, en Noviembre-Diciembre pasado, viaja al  festival Nits d’Aielo i Art, que este año cumple su 19ª edición.  Esta edición del festival se articula en torno a un núcleo conceptual: La vida en mitad de otras vidas. Como los organizadores sugieren esta propuesta es «una guia que enlaza con Fluxus, con el contexto como música y con el vivir como contacto con los cercanos.»

El primero de los eventos, el protagonizado por Monserrat Palacios, es a la vez el último de los eventos del  Cicle de músiques experimentals i art sonor que se han desarrollado en la Faculta de Filología

Este año el festival cuenta además con la presencia de:

Llorenç Barber, Óscar Vidal, Miquel Jordá, Miquel Ángel Marín, Angélica Rodríguez, Bartolomé Ferrando, Marta R., Álvaro Pichó y Mario Montoya y Lorena Izquierdo

 El corolario de este festival será la ceremonia de entrega del premio Cura Castillejo al propositor más desaforado.

Máquina de callar en el Festival Nits d’Aielo

Shut-Your-Mouth Machine previos

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Shut-Your-Mouth Machine / Máquina de callar

Diseño y desarrollo de hardware y software. Hardware and software design and development:

Kwendenarmo y Carlos Hernández

The Shut-Your-Mouth Machine is a device inspired by the arcade game Whac-A-Mole, and its particular way of negative interaction. The game typically consists in smashing moles when they pop up from holes distributed on a plane. Constructing the meaning of the piece through its negation is one of my personal interests, and I have been working on it in recent years, unfolding a critical approach to such interactive works where the user has a total degree of control over the mechanism. In this case the negation is metaphorical and physical, because the game consists/lies in pushing a big red button to silence the voice projected by the device. What you hear is my personal recorded voice talking about the work. So, when you push the button you are silencing my own speech. I am interested in proposing a work that constrains the user to deny it, a work where there is a circular contradiction between listening and silencing: maybe I would want to listen to the voice, but if I want to complete the game I have to stop the meaning contained in the voice. So the meaning doesn’t simply come from my voice, but from the collaboration between my speech and those who restrain it. In this sense, the work includes a critical to traditional relationship between a work of art and its receiver.

The work will premiered at Pinta Miami International Art Fair at the Electronic Project Section

within the project Constructive Interferences by EX, electronic and experimental Art Association

Location

Mana Wynwood
2217 NW 5TH AVE.
Miami, FL 33127
USA

Date & Time 2016

Official Opening: Wednesday, Nov. 30: 5 – 8 pm
Thursday, Dec. 1 – Saturday,  Dec. 3: 12 am – 8 pm
Sunday, Dec. 4: 12 – 7 pm


Shut-Your-Mouth Machine

En unos días nos vamos a la feria Pinta Miami! Nos llevamos Shut-Your-Mouth Machine, la última obra en la que estamos metidos y a la que le estamos dedicando todas las horas unos aguerridos Kwendenarmo, Carlos Hernández y yo mismo. Compartimos las pruebas de que la obra empieza a existir!

El bebé dando sus primeros pasos (la mano es de Kwendenarmo):

pruebas-maquina-de-callar

Hasta que llega nuestro flamante prototipo, hecho en material muy, muy reciclable por Carlos Hernández (a destacar la propaganda indirecta a Mr. Amancio):

prototipo-0-maquina-de-callar

Y el video que demuestra que funciona … Ahora sólo falta montar los cuatro dispositivos, que quedan pocos días

Shut-Your-Mouth Machine previos